François Ozon elabora su planteamiento ante la elección del prescindible uso de la alteración temporal antes que el internamiento en la psique de la víctima y el verdugo. Así es una película que gira en torno a una sonada condescendencia respecto al uso alternativo de recursos para formular un argumento desgraciadamente a la orden del día.

“Dolor y Gloria”, una obra de vital importancia, por la figura que hay detrás (y delante) de la pantalla, por narrar como pocas la agonía existencial producida por la catarsis creativa, el amor en todas sus facetas, la soledad y el sufrimiento, pero sobre todo, por convivir constantemente con el pasado, el único que nos hace recordar quién somos realmente.

La mirada más pulcra y sublimada de la inocencia, de su complejidad y fuerza evasiva, de su lado armónico y catalizador de la fantasía, a día de hoy, se encuentra en el cine de Alice Rohrwacher, directora de la reciente ‘Lazzaro felice’.

Jenkins se desliga de cierta atención por el salto creativa y reproduce los pasos de un desarrollo al que le falta intensidad emocional para llegar a esa confluencia emocional entre la base argumental y la composición escénica. La poética desmesurada del director hace repetir los puntos con los que sí conseguía en “Moonlight” y que en esta película se percibe de forma opuesta. La película de Jenkins no hace política de la percepción cercana al desdeño, pero si se puede descubrir ciertas notas de sobrealimentación frente a su anterior película.

Dogman” se resume en la gran capacidad de inmersión en una atmósfera de similares contornos a los dibujados en “Gomorra”, seguida de la inmensa interpretación de Marcello Fonte, puesto que con las características de su personaje, la película adopta la forma de un prisma invertido por la ferocidad y la inocencia que salvaguarda la existencia de ambos lados del espejo, constreñidos por la oscuridad cotidiana.

La particular fascinación por rodar cuerpos femeninos, al igual que en otras de sus películas, viene dada por el vacio, intentando encubrir la inconsistencia, el delirio y la inverosimilitud de un producto tan recargadamente ñoño como indigesto. Otra abotargada e ilógica pretensión lírica de Medem sumido en el absurdo.

“El Ángel” carece de la necesidad de proyectar una narración más allá del esplendor causado por su estrambótica superficie. Una vez que el funcionamiento de dicha fórmula queda desgastado, se echa en falta el necesario valor de concreción respecto al personaje de Carlos Robledo, y de adentrarnos en el subsuelo del mal, un mal revestido de color y artificios no precisamente bien ejecutados.

La excesiva y engañosa presentación de Kapuscinski se entremezcla con la diversidad de alegatos, denuncias y exhibiciones de la crudeza bélica, todo ello en un desarrollo y desenlace  trillado y farragoso.

El director coreano, además de tejer con exquisita brillantez la historia de una incansable búsqueda, de un amor misterioso, de estados y apariencias inestables, es capaz de abordar un reflejo sobre la actualidad de su país, haciendo especial hincapié en la desigualdad de clases mediante la ostentación simbólica. “Burning” o la película que converge, al igual que su cuerpo, en la mente del espectador una vez que asiste a la proyección. Las imágenes y su tonalidad cambian, trastornan y mutan hasta crecer incansablemente.

La coreografía de Gaspar Noé no busca en ningún momento la lógica, aunque sí intenta proyectar cierta reflexión sobre la condición humana y la imposibilidad existencial en la era contemporánea, lo que desde su exterior se aproxima a una vociferante pretenciosidad no vista hasta entonces en su filmografía.